Empezar de cero
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Hace un par de meses me di cuenta de que todas las excusas que siempre he puesto para no hacer lo que me gusta de verdad se desmoronaban una a una.
A partir de este verano empiezo de cero: quiero hacer CINE DE ANIMACIÓN.es2006-03-28T12:34:31Zhourly12000-01-01T12:00+00:00El porqué
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2005-09-30T19:48:12ZLiaKitEmpezar de cero Adrian Ng, el chico que me inspiró sin saberlo.
¿Qué diablos quiero decir con eso? Pues nada más y nada menos que Adrian Ng Chee Wei, un chico que vive en la otra punta del mundo (Singapur, creo) y al que no conozco absolutamente de nada, es el que me dio la idea de crear "Empezar de cero".
Adrian es un estudiante de animación 3D al que, curiosamente, no se le daba especialmente bien el dibujo artístico. Consciente de la necesidad de manejarse bien en anatomía, proporciones y movimiento de las figuras, un buen día se propuso aprender a dibujar. Desde cero. Y en ello lleva ya un porrón de meses, dedicándole entre una y dos horas diarias y colgando su trabajo en la bitácora.
El caso es que la tenacidad (oriental, sin duda alguna) de la idea me sorprendió bastante en su momento. La primera reacción fue algo así como "anda ya...", seguida rápidamente de un "¿y por qué no?". De repente, la vocecilla racional que llevaba años diciéndome que eso no era para mí, se quedó sin argumentos.
Y aquí estoy. Si Adrian Ng lo consigue algún día... yo también puedo hacerlo. Hace tiempo que le debía este pequeño homenaje.]]>Morph 1.0
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2005-09-28T15:27:37ZLiaKitPrácticas de modelado
Morph fue uno de los primeros personajes nacidos de la mano de Peter Lord (por allá por 1976). Aparecía de forma regular en el programa "Vision on" de la BBC, interactuando con el presentador y con otros personajes que se fueron introduciendo de manera progresiva. A través de él, Lord se fue iniciando profesionalmente, junto a Dave Sproxton, en el mundo de la animación de plastilina. Ambos, por si no os suena su nombre, son nada más y nada menos que los fundadores de los estudios Aardman en el Reino Unido.
A lo que voy. En el libro "Cracking Animations", se nos "presta" a este simpático personaje para que hagamos nuestras pruebas. A él he dedicado mi práctica de modelado de hoy. Oye, que no es tan fácil como parece...
Por cierto, como respuesta al comentario de un buen amigo, he de decir que sí, que me lo estoy pasando bomba :-)]]>George Pal y los "Puppetoons"
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2005-09-27T20:38:02ZLiaKitCine de animación
George Pal (Hungría, 1908 - California, 1980) es conocido, entre muchas otras cosas, por ser el pionero de una técnica de animación muy laboriosa, conocida como "replacement animation" (animación por reemplazamiento, o por sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas intercambiables.
Para que nos hagamos una idea: las expresiones faciales se lograban a través de un montón de cabecitas del mismo muñeco que se diferenciaban mínimamente unas de otras y que se iban reemplazando de un fotograma a otro. Pal no sólo rodaba a 24 imágenes por segundo (es decir, con fotogramas 'simples'), sino que además rara vez repetía el mismo movimiento para facilitar el trabajo de animación.
Es evidente que esta técnica requiere muchísima planificación por adelantado, ya que una pieza en madera no puede improvisarse en el momento el rodaje tan fácilmente como se moldea, por ejemplo, una de plastilina. La duración media de los 'Puppetoons' venía a ser de ocho minutos. Esto implicaba la captura de unos 30.000 fotogramas, y la creación de unas 9.000 piezas individuales talladas a mano en madera para los muñecos. Como contraposición, tenemos dos ventajas fundamentales: las piezas, al ser rígidas, pueden volver a usarse una y otra vez sin el peligro de que hayan sido mínimamente modificadas. Y por otro lado, una preparación tan meticulosa ahorra mucho trabajo en el rodaje, durante el cual la mayor preocupación serán las cuestiones puramente técnicas.
El comienzo de la producción era, curiosamente, muy similar a la de las series de animación tradicional (o 'cartoons', de ahí el juego de palabras con 'puppet', que significa 'muñeco' o 'marioneta'). Una vez creada la historia, el cortometraje entero se bocetaba en un storyboard fotograma por fotograma. El propio Pal realizaba los dibujos "clave" (primero, intermedio y último) de cada uno de los movimientos, y otros asistentes tras él completaban la secuencia con los fotogramas de "relleno". Todas las decisiones de diseño, escenario y acompañamiento musical se tomaban durante esta etapa.
El rodaje y posterior visualización de la historia dibujada permitía detectar cualquier fallo de continuidad o brusquedad en los movimientos. Si todo era correcto, se podía pasar a esculpir las figuras reales en madera a partir de los dibujos, proceso que se alargaba durante varias semanas. Con un ritmo de trabajo continuo, Pal conseguía producir una películita de ocho minutos cada 45 días. Se estima que el coste de cada cortometraje andaría hoy en día por unos cuantos millones de dólares, mientras que allá en la década de los 40 no subía de unas pocas decenas de miles. Qué tiempos.
Con los años, Geroge Pal fue mejorando la articulación de sus muñecos, con el consiguiente ahorro, calculo, de tiempo, sudor y dinero. Sin embargo, a mí me fascina pensar que alguien, alguna vez, se tomó tantísimo trabajo por ocho minutos de película. Desde aquí, mi más sincero homenaje a este gran maestro.
(Nota: Buena parte del contenido de esta anotación es una traducción libre de fragmentos de ambas páginas.)
Relación de todos los cortometrajes comprendidos en la serie Puppetoons en BGDB (The Big Cartoon DataBase). El DVD de "The Puppetoon Movie" a la venta en Amazon.com (editado solamente para la región 1).]]>Más enlaces básicos
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2005-09-26T23:00:59ZLiaKitNavegando AnimateClay.com:
El segundo portal estadounidense dedicado a la animación de plastilina y de stop-motion. Aunque los foros no son tan completos como los de StopMotionAnimation.com, hay que tener en cuenta que son solamente una de las secciones de la página. Aparte, encontraremos docenas de noticias, artículos, enlaces e incluso una tienda online especializada en artículos para la construcción de muñecos de stop-motion.
Darkstrider.net:
Estupenda página personal de Mike Brent centrada en los grandes maestros de la animación centroeuropea. Lo más interesante es su amplia colección de videoclips que pueden visualizarse en línea, la gran mayoría de los cuales son casi imposible de encontrar en ningún otro sitio.
Stopmoshorts.com:
Página creada por algunos de los colaboradores de StopMotionAnimation.com con la intención de compartir cortometrajes propios. Más que nada, pretenden animar a los que se están iniciando en el mundillo, pero algunas de las animaciones que se exhiben están hechas por auténticos profesionales.
Stop Motion Works:
Otra página personal, esta vez de mano de Lionel Ivan Orozco, un especialista en fabricación de armaduras para animación que ha participado, entre otras producciones, en "The Nightmare Before Christmas". El sitio está lleno de tutoriales y consejos prácticos para animadores, con un montón de artículos y una bibliografía exhaustiva. Por lo que he podido comprobar se actualiza con bastante regularidad.]]>Vuelta a clase
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2005-09-23T21:25:29ZLiaKitProyectosdibujo los jueves, y escultura los viernes. Bastante coherente para lo que me propongo, ¿no? Ya os contaré, que tras las dos primeras sesiones me siento bastante optimista.
PD: Ya me había olvidado de que cuando una no tiene una oficina a la que volver no agobia tanto que las vacaciones sean tan cortas... :-)]]>Introducción al stop-motion
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2005-09-15T16:22:57ZLiaKitTécnicas de animación
Stop-motion (o stop-action), un término que no posee equivalente en castellano, hace referencia al sistema de captura cinematográfica "fotograma a fotograma". Entre toma y toma, el animador modifica mínimamente los elementos del cuadro con respecto al cuadro anterior, de manera que cuando los fotogramas se reproducen de modo continuo, se genera una impresión de movimiento sin aparente intervención humana. La magia de esta técnica, muy difícil de dominar, reside en la posibilidad de infundir "vida" a cualquier objeto inanimado.
A menudo, caemos en la identificación errónea de "stop-motion" con "animación de plastilina" (conocida en inglés por el término "claymation", juego de palabras acuñado por Will Vinto entre "clay", plastilina, y "animation"). Es cierto que películas como "Chicken run" o "Wallace and Grommit" han convertido a la plastilina es una de las protagonistas más populares del stop-motion, pero no es ni mucho menos la única que hay. Desde la simple animación de juguetes y otros objetos (que Hermyna Tirlova, por ejemplo, convirtió en obra de arte), pasando por el cine de marionetas ("puppets") de todo tipo de materiales (muy características de la obra de los grandes maestros checos) y la animación de criaturas fantásticas en el cine clásico de ciencia ficción (de la mano de Ray Harryhausen) hasta la curiosa técnica del "pixilation" (stop-motion con actores reales). Sin duda alguna, se trata de una de las técnicas más versátiles que existen.
Por otro lado, lo de "animación de plastilina" es una expresión cada día más convencional. La realidad es que, dentro del ámbito profesional, la plastilina juega un papel muy pequeño en la producción de los personajes. Para empezar, los muñecos cuentan siempre con una "armadura" metálica en su interior (más o menos compleja o articulada) que les proporciona consistencia, estabilidad, y permite a su vez la reproducción de movimientos con una mayor dosis de realismo. Por otro lado, la construcción en plastilina del muñeco entero resulta ser, además de laboriosa, muy poco práctica. Se trata de un material muy manejable, pero esa misma cualidad hace que se estropee con facilidad. En la práctica, el método más extendido consiste en crear la mayor parte del cuerpo a partir de materiales más resistentes (plásticos como el látex, por ejemplo), y emplear plastilina para las manos y la cabeza.
Hasta aquí la lección de hoy. Pero un apunte antes de terminar: ya tendremos tiempo, cuando seamos profesionales, de emplear materiales buenos y caros. Si lo que queremos es aprender a hacer que se muevan cosas... tenemos de sobra con la plastilina. Por lo menos yo.]]>12 vs 24 (II)
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2005-09-12T14:29:58ZLiaKitTutoriales y consejos prácticos"Stop Motion. Craft skills for Model Animation" (aparecerá pronto en la sección "Estoy leyendo..." para guardarlo como bibliografía, aunque lo cierto es que ya lo he releído varias veces en poco más de dos meses) cuando reparé en este párrafo lleno de sentido común:
Should you work in singles or double frames? Ones or twos? It depends on the movement. Single frame is when you move on every frame, so there are 24 different shots per second. This creates a very fluid, smooth movement, useful for hand gestures or a flag waving. If you are shooting a very fast action it might require shooting ones. Shooting on twos is quite acceptable and in fact the animators at Aardman tend to favour twos to keep a lively sense of action. Nick Park prefers working fast and not getting bogged down by too much technique: 'I don't notice technical smoothness - that doesn't interest me - that can work against a character sometimes'. However that would not stop him using single framing in certain situations. For instance if you are filming someone running across the screen in six frames, very fast, you will need to shoot on singles, or the movement won't even register with the viewer.
Me doy cuenta de que hasta ahora he abordado el problema desde un punto de vista puramente técnico, sin tomar como referencia un movimiento "real" para tener con qué comparar el resultado. No tenía mucho sentido, ¿no? Bueno, me alegro de haber aprendido esta lección.]]>12 vs 24
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2005-09-10T21:35:32ZLiaKitEjercicios de animaciónantes de ayer os comunicaba mi decisión de seguir trabajando con 12 fotogramas por segundo, puesto que 24 me parecía demasiado (ya véis, acabo de empezar y ya estoy acobardándome...). Sin embargo, he pensado que lo mejor sería seguir haciendo pruebas y comparar resultados para convencerme del todo.
He aquí la primera de ellas, consistente en un simple giro. Señores, saquen sus propias conclusiones:
"The hand 1.0" (12 fps)
"The hand 1.1" (24 fps)
Para terminar, un dato interesante: Los Aardman Studios graban Wallace & Gromit a 12 fps. Todo será pillarle el truco...]]>Una de enlaces
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2005-09-09T20:04:29ZLiaKitNavegando The Big Cartoon Database:
La he descubierto hace muy poquito, y ya no puedo vivir sin ella. Se trata de una especie de IMDB pero con películas, cortos y series de animación. ¿Cómo es posible que no me haya cruzado con ella antes?
Chronology of Animation:
Al igual que la anterior, es una página llena de nombres y datos pero esta vez clasificados por años y países. Muy útil para aprender de un vistazo rápido qué se estaba cociendo al mismo tiempo en sitios distintos.
Dibunet.com:
Un magnífico portal dedicado a la animación en todas sus facetas, con noticias, tutoriales, direcciones de interés... y cómo no, un foro con secciones especializadas en técnicas distintas. Si no os atrevéis a pelearos con otros idiomas, seguro que por allí encontraréis a gente que os ayudará con muchas de las dudas que tengáis.
StopMotionAnimation.com:
El mayor foro de Internet dedicado en exclusiva a la técnica del stop-motion, que cuenta con la colaboración asidua de animadores profesionales. Sin ir más lejos, la página ha sido fundada por Anthony Scott, director de animación en "The corpse bride". Parece increíble que podamos codearnos con gente así, ¿verdad? ¿A qué estáis esperando...? ]]>Humphrey 1.0
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2005-09-08T12:38:31ZLiaKitEjercicios de animación El protagonista: Un valiente gato de peluche que mide 8x5 centímetros y que se llama Humphrey.
El escenario: Una simple colcha de Ikea que se ha hecho pasar (hábilmente) por kilómetros y kilómetros de interminable... desierto rojo.
El resultado: "Humphrey 1.0", también conocido como... "Voy corriendo que escarbo".
(La visualización de este vídeo ha sido posible gracias a la gentileza de YouTube)
Entendéis ahora el título secundario, ¿no? Bueno, aunque no sea una obra maestra, con este ejercicio he podido sacar las siguientes conclusiones:
- La importancia de la continuidad de la luz: Después de varios intentos fallidos, y con la única ayuda de un simple flexo, conseguí por fin hacer que la iluminación fuera exactamente la misma de una toma a otra. Es increíble lo que canta el más ligero cambio, dado que cada fotograma se está grabando de forma independiente. Como ejemplo, se puede ver la diferencia que hay entre las dos fotos de arriba... que no caí en corregir. ¿Os imagináis ambos planos en la misma película? El color cambia muchísimo de una a otra. Parecería que estaba usando un extra para Humphrey... o uno para el Desierto Rojo.
- Siempre y cuando nos resulte viable, el método de captura más cómodo es conectar la cámara directamente al ordenador. Con un programita tan sencillo como MonkeyJam (es gratuito) y un cable firewire, nos basta con fijar la cámara al trípode, encenderla empleando la toma de corriente (con la batería se nos apagaría cada cinco minutos) y ya no tenemos que volver a tocarla. Esto supone una gran ayuda a la hora de mantener el plano perfectamente fijo.
- Trabajaré con 12 fotogramas por segundo. Trabajar con 24 es muchísimo más laborioso no sólo porque haya que hacer el doble de trabajo, sino porque los cambios que hay que realizar en el escenario son demasiaaaado pequeños para conseguir que el muñeco se mueva a una velocidad normal.
- Nunca, repito, nunca volveré a apoyarme en el escenario para mover el muñeco que está atrás del todo. Y si no sabéis de qué estoy hablando, ved el vídeo otra vez, vedlo...
Y eso es todo por hoy. La próxima tentativa ha de ser con algo con un grado de articulación mínimo que me permita seguir aprendiendo sin que me acusen de plagio de la serie South Park.
Adrian Ng, el chico que me inspiró sin saberlo.
